5 artistas en nuestro radar en agosto de 2023

“Artistas en nuestro radar” es una serie mensual centrada en cinco artistas que llaman nuestra atención. Utilizando nuestra experiencia en arte y los datos de Artsy, hemos determinado qué artistas tuvieron un impacto el mes pasado a través de representación de nuevas galerías, exposiciones, subastas, ferias de arte o obras nuevas en Artsy.

La práctica multidisciplinaria de Tyler Eash (también conocido como Loreum) pone en primer plano aspectos de la identidad (específicamente, el carácter queer, la indigeneidad y la clase) como un medio para resistir el borrado de historias personales y ancestrales. Aunque su experiencia es en coreografía, la práctica de Eash ahora se extiende a la escultura, el dibujo, la pintura, el cine, la música, la poesía y la interpretación; aun así, sigue centrado en el cuerpo, posicionándolo en oposición a las influencias colonialistas, capitalistas y normativas de género.

Ahora radicado en Londres, el artista nacido en California está representado en el Reino Unido por NıCOLETTı. Tuvo su primera exposición individual en la galería a finales de 2020, presentando una serie de dibujos, pinturas, esculturas y películas que problematizaron el sueño americano. Este mes participa en la presentación de la galería para la feria Artsy's Foundations con un trío de pinturas, incluido el pensativo Angel #3 (2023). La obra forma parte de una serie de pinturas sobre piel de vaca que hacen referencia a la California rural, donde el artista pasó parte de su infancia con su abuela Maidu y Modoc. Otra exposición individual en NıCOLETTı está programada para finales de este año.

Eash completó sus títulos en teatro, danza y arquitectura paisajista en la Universidad de California, Davis, en 2011, y recibió su maestría en bellas artes de Goldsmiths en 2019. Ha expuesto en numerosas exposiciones individuales y colectivas en los Estados Unidos, el Reino Unido, Alemania, y Francia.

—Arun Kakar

Las pinturas de Joana Galego tienen la cualidad esquemática y esquiva de los recuerdos revisitados desde la distancia. Sus sujetos, representados con gestos sueltos y sombras, permanecen parcialmente oscurecidos dentro de composiciones tipo collage que insinúan múltiples narrativas entrelazadas. Pero a pesar de su misterio, no falta la emoción en estas obras; el lenguaje corporal de sus sujetos insinúa “poder, vulnerabilidad, falta de comunicación, soledad, culpa y el deseo de conexión e intimidad”, según la descripción del artista.

Estas dinámicas estuvieron en juego en la reciente exposición individual de Galego, “Mole Lunar Sinal”, en la galería londinense Soho Revue. El título, compuesto por palabras en tres idiomas diferentes, hace referencia a barreras de comunicación y multiplicidades de significado. A lo largo del espectáculo, detalles bien pensados ​​resaltan los temas de Galego. En Cosas buenas y malas que podrían suceder con más frecuencia (2023), por ejemplo, una pareja yace junta en la cama, con los rostros tranquilos, con motas rojas y amarillas que sugieren la suave y moteada luz del sol. Pero las manos de una figura, cruzadas sobre su regazo, destacan, más cuidadosamente definidas que el resto de su cuerpo. Llamativamente no toca a su pareja, proyectando una sombra de distancia emocional sobre el lienzo.

Galego obtuvo una licenciatura en pintura de la Universidad de Lisboa antes de completar su trabajo de posgrado en la Royal Drawing School de Londres, donde reside actualmente. Ha expuesto en numerosas galerías de la ciudad, incluida una reciente exposición colectiva en Oliver Projects.

—Olivia Cuerno

En sus obras innovadoras que fusionan textiles, grabados y esculturas, Bonolo Kavula deconstruye materiales y formas de pensar tradicionales. Después de heredar un vestido de tela shweshwe de su difunta madre, Kavula comenzó a utilizar el material, que los colonizadores trajeron a Sudáfrica en el siglo XIX, en sus obras de técnica mixta. Corta discos individuales de tela shweshwe, los organiza en patrones y ata cada pieza con hilo, a mano. Una vez conectados, los recortes de shweshwe trabajan con el espacio negativo para revelar fascinantes abstracciones geométricas que honran la historia personal del artista y al mismo tiempo dejan espacio para las interpretaciones de los espectadores individuales.

Aunque las obras recientes de Kavula son principalmente esculturas de técnica mixta, su práctica también abarca vídeo, música y medios impresos. Obtuvo una licenciatura en Bellas Artes de la Escuela de Bellas Artes Michaelis (Universidad de Ciudad del Cabo) en 2014 y cofundó iQhiya, un colectivo de artistas, en 2015. Desde entonces, Kavula ha recibido el primer Premio de Arte Africano Soberano de la Fundación Norval, y en En 2022, su exposición individual “Soft Landing” en SMAC apareció en Artforum. Actualmente, Kavula está incluida en la presentación Foundations de SMAC, exclusivamente en Artsy.

—Isabelle Sakelaris

Algo extraño está sucediendo en las obras del pintor Aryo Toh Djojo, radicado en Los Ángeles. Sus obras retocadas con aerógrafo a pequeña escala, ejecutadas con una mano alzada meticulosa y onírica, representan momentos cinematográficos de la adolescencia estadounidense y encuentros de ciencia ficción. Estos temas se mostraron en la reciente presentación de Perrotin del trabajo de Toh Djojo en Tokyo Gendai, en la que una figura fantasmal apareció en una playa completamente oscura en Blank Expression, y un dedo medio levantado descansaba sobre la ventanilla de un auto en My Rules (ambos 2023).

Utilizando los códigos seductores de la publicidad y los medios obsesionados con la juventud, Toh Djojo juega con nociones de verdad en sus lienzos fotorrealistas, aunque borrosos. En Fluoride in Our Tap (2022), que se mostró como parte de una exposición colectiva en Sow & Tailor a principios de este año, las teorías de la conspiración se ciernen sobre un paisaje suburbano monocromático: un ovni flota inquietantemente en la distancia, mientras que el título evoca desconfianza en un suministro de agua regulado por el gobierno.

Toh Djojo recibió un BFA del Art Center College of Design en Pasadena, California. Su trabajo ha sido expuesto en exposiciones individuales en Stems Gallery en Bruselas y Sow & Tailor en Los Ángeles, y como parte de exposiciones colectivas en Woaw, Perrotin y Volery Gallery.

—Josie Thaddeus-Johns

La paleta de Emily Wise puede ser lo primero que notes en sus pinturas, que se componen de azules eléctricos, rosas Barbie y violetas aterciopelados. Sin embargo, mirando desde dentro de estos choques de color hay protagonistas femeninas que atraviesan terrenos fascinantes y de otro mundo.

En su último espectáculo, “Hands that Hold the Melting Rope”, que se exhibirá en Chefas Projects hasta el 8 de agosto, las pinturas de Wises retratan a un grupo de mujeres que se deslizan hacia un reino alternativo mientras van a tomar un refrigerio nocturno al 7-Eleven. "Esa misma noche, el velo entre los mundos se había adelgazado lo suficiente como para lanzar sus cuerpos a una especie de 'cielo' no muy diferente a este mundo", explicó Wise en un comunicado. “Abandonados en esta nueva existencia, sin capacidad ni deseo de regresar, comienzan a preguntarse si este lugar siempre ha estado ahí, esperándolos, uno dentro del otro”. Esa sensación de asombro hace eco del trabajo místico de los artistas que Wise atribuye como inspiraciones: Hilma af Klint, Frida Kahlo, Leonora Carrington y Remedios Varo.

La artista radicada en Portland ha expuesto en toda la costa oeste y recibió su BFA de Pacific Northwest College of Art.

—Casey menor